Figura I, 2011

Grafika o tytule "Figura I" to praca z 2011 roku o wymiarach 60x42 cm. Jej autorem jest Sebastian Skowronski.

W celu stworzenia dzieła wykorzystał technikę drzeworyt. Jest to jedna z najstarszych technik graficznych, zaliczana do druków wypukłych. Podłożem drzeworytu jest deska, na której tworzy się rysunek, a następnie za pomocą specjalnych narzędzi rytowniczych wycina się tło, które w efekcie końcowym będzie białe. Miejsca wypukłe pokrywa się farbą drukarską, a następnie, za pomocą prasy, odbija na podłożu papierowym. W zależności od sposobu przygotowania deski i sposobu grawerunku, wyróżniamy drzeworyt langowy, sztorcowy, groszkowy, tonowy, faksymilowy i chiaroscuro. Drzeworyt pojawił się w Europie w XIV wieku, zaś najstarsza zachowana odbitka drzeworytnicza pochodzi z klasztoru Buxhein w Austrii i jest datowana na 1424 rok. Od drugiej połowy XV wieku drzeworytnicy stosują na swoich deskach technikę szrafowania, czyli cieniowania, zaś od kolejnego stulecia stosuje się kilka matryc w celu nadania odbitkom koloru (wcześniej drzeworyty były kolorowane ręcznie). Najwybitniejszymi drzeworytnikami wczesnego i dojrzałego renesansu są Lucas Cranach Starszy, Albrecht Durer i Albrecht Altdorfer. W okresie reformacji drzeworyty stają się narzędziem politycznej i ideowej propagandy, występując w charakterze ulotek z karykaturami znanych postaci. Z czasem drzeworyt traci na popularności na rzecz miedziorytu – techniki pozwalającej na ukazanie szczegółów – ale odradza się w formie techniki sztorcowej pod koniec XVIII wieku. W dwudziestoleciu międzywojennym jest techniką cenioną wśród artystów tworzących w nurcie ekspresjonizmu.

Autor pracy wykorzystał jako podłoże papier. Jest to medium wykorzystywane jako podobrazie, stanowiące alternatywę dla płótna i deski. Papier, w zależności od rodzaju, pozwala na uzyskanie różnorodnych efektów. Ten o gramaturze 200 g/m2, o zwartej strukturze, i dużej chłonności, przeznaczony jest do farb akwarelowych, gwaszu, temper i tuszu. Innym typem papieru jest papier bezkwasowy, odporny na działanie czasu oraz promieni słonecznych. Z kolei ziarnisty papier o gramaturze 90 g/m2 może być wykorzystywany do rysunku kredkami, pastelami, sepią, węglem, sangwiną, ołówkiem. Papier jako podobrazie wykorzystywano od antyku; w średniowieczu powstawały na nim cenne miniatury oraz pierwsze projekty architektoniczne. W czasach renesansu stanowił podstawę szkiców koncepcyjnych, zaś od momentu wynalezienia druku stał się niezbędnym elementem do tworzenia grafiki. Współcześnie popularność zyskują aukcje dzieł sztuki na papierze; najdroższą papierową pracą sprzedaną na polskiej aukcji jest „Macierzyństwo” Stanisława Wyspiańskiego.

Pracę możemy zakwalifikować do styli: abstrakcja, ekspresjonizm, figuratywne, inne, realizm, surrealizm. Abstrakcja to styl odrzucający zasadę mimesis, a więc naśladownictwa natury. Intencją abstrakcjonistów nie jest odzwierciedlenie rzeczywistości w jej rzeczywistych kształtach, ale przekazywanie abstrakcyjnych pojęć i idei przy pomocy linii i oraz kolorów dzieła malarskiego. Najważniejszymi przedstawicielami ekspresjonizmu w Polsce byli graficy skupieni wokół grupy artystycznej BUNT, a więc Stanisław Kubicki, Stefan Szmaj, Władysław Skotarek czy Jan Jerzy Wroniecki. Sztuka figuratywna to typ prac artystycznych, w których możemy wyróżnić sylwetki ludzkie, zwierzęce czy przyrodnicze w ich proporcjach naturalnych lub bliskich rzeczywistym. Realizm wiernie przedstawiający rzeczywistość, stanowił oficjalne założenie Akademii Malarstwa i Rzeźby w całej Europie a rozwinięciem tego stylu stał się hiperrealizm, niezwykle szczegółowo odzwierciedlający rzeczywistość. Surrealiści korzystali z szerokiego repertuaru narzędzi plastycznych: obrazów, rzeźb, pierwszych instalacji, asamblaży, fotomontaży.

Tematem tej pracy są akt, człowiek, pejzaż, portret, inne. Akt, który charakteryzuje się przedstawieniem nagości w różnym estetycznym ujęciu. Jest to jeden z najpopularniejszych motywów sztuki dawnej, zwłaszcza renesansu oraz akademizmu, funkcjonujący wtedy w kontekście mitologicznym. Aż do dziś, pierwszoplanową rolę w aktach odgrywa kobiece ciało. Człowiek, który jest bez wątpienia najpopularniejszym motywem w sztuce od prehistorii aż do dziś. Postać ludzka występowała w niezliczonych kontekstach artystycznych: jako święty, w kostiumie mitologicznym, w scenach rodzajowych, salonowych, alegorycznych oraz wielu innych. Człowiek zajął również ważne miejsce w sztuce abstrakcyjnej, jednak obiektem zainteresowania stało się jego wnętrze – świadomość oraz percepcja. Pejzaż o znaczeniu symbolicznym i nastrojowym pojawił się po raz pierwszy u tajemniczego artysty włoskiego renesansu zwanym Giogrione, w XIX wieku był chętnie podejmowany przez impresjonistów, a później postimpresjonistów i fowistów. Portrety są z jednej strony cennym źródłem historycznym, z drugiej zaś mogą dotyczyć krytycznego spojrzenia na kwestie społeczne i polityczne. W sztuce współczesnej skupiają się one na tym drugim zagadnieniu, choć nadal mogą występować w kokntekście czysto estetycznym.

"Figura I" wyróżnia się paletą kolorów wśród których występują: biały, szary, czarny. Biały, który w zależności od techniki, nadaje kompozycji świetlistości oraz wzmacnia kontrasty światło-cieniowe. Szary, który jest elegancki i zachowawczy. Pasuje do każdego typu przestrzeni: industrialnej, retro, minimalistycznej czy kolonialnej. Czerń może tworzyć zaskakujące połączenie z czarnym, minimalistycznym wnętrzem bądź działać na zasadzie konstrastu, kiedy wprowadzimy ją do jasnej przestrzeni.

Nastroj pracy charakteryzują melancholia, radość, spokój, inne. Dzieła sztuki o zgaszonych barwach, przedstawiające jesienne krajobrazy bądź postacie ludzkie pogrążone w zadumie wywołują melancholię. Radość można osiagnąć poprzez kolory kojarzące się z przyrodą - np. Zielenią czy błękitami. Spokój, który związany jest najczęściej z motywami natury bądź abstrakcją w subtelnej gamie kolorystycznej.