„Niebo bez echa”, 2022

Unikatowy obraz „Sky Without Echo” Z autografem artystki Agnieszki Solskiej!
Z przyjemnością prezentuję wyjątkowe dzieło stworzone przez Agnieszkę Solską — artystkę, która w swojej twórczości potrafi uchwycić ulotne chwile i przełomowe momenty. Jej obrazy to zapis emocji, które w ciszy i spokoju odkrywają przed widzem wewnętrzne światy.

O Artystce:
Nazywam się Agnieszka Solska. Urodziłam się w 1987 roku. Moje obrazy powstają głównie w technice olejnej na płótnie oraz tynkowej gipsowej, gdzie każda faktura i struktura ma znaczenie. Moja twórczość koncentruje się na abstrakcji, surrealizmie i pejzażu w autorskiej interpretacji. Eksperymentuję z różnymi technikami malarskimi, łącząc klasyczne metody z nowoczesnymi podejściami, a także wykorzystuję nietypowe narzędzia jak szpachle i gąbki. Sztuka jest dla mnie przestrzenią emocji, w której światło, kolor i tekstura opowiadają o moich przeżyciach i refleksjach.

Ukończyłam szkołę dekoratora wnętrz, co pozwoliło mi rozwijać się zarówno artystycznie, jak i technicznie, zdobywając umiejętności w zakresie kompozycji, wzornictwa oraz rysunku. Dodatkowo ukończyłam liczne kursy grafiki komputerowej, które wzbogaciły moje spojrzenie na przestrzeń i formę.

O obrazie:
„Sky Without Echo” to obraz pełen ciszy i subtelnego napięcia, przedstawiający pustą, zachmurzoną plażę, której granice zacierają się w odcieniach błękitu, chłodnego fioletu i spokojnego granatu. Niebo, ciężkie od milczenia, zlewa się z horyzontem, tworząc granicę między tym, co widzialne, a tym, co niewypowiedziane. Obraz przedstawia przestrzeń zatrzymaną w półoddechu, wolną od śladów życia — tylko echo fal, delikatnie dotykających brzegu. To pejzaż opowiadający o samotności, spokoju i dziwnym stanie zawieszenia, który towarzyszy duszy tuż przed wewnętrzną przemianą. Wyraziste pociągnięcia pędzla i miejscami nakładana szpachlą farba tworzą bogatą, fakturalną powierzchnię, na której emocje same odcisnęły swoje ślady. Materia malarska pulsuje, prowadząc wzrok przez kolejne warstwy ciszy i koloru.

Styl: Abstrakcyjny pejzaż – wyraziste pociągnięcia pędzla, subtelna paleta barw i faktura, która pozwala poczuć emocjonalny ciężar przedstawionej przestrzeni.

Technika: Olej na tekturze

Wymiary: 35 x 35 cm

Rok powstania: 2022

Stan: Nowy, bez uszkodzeń

Certyfikat autentyczności: Tak — obraz sygnowany własnoręcznie przez artystkę na odwrocie. Do dzieła dołączony jest oryginalny certyfikat autentyczności.

Limitowana liczba dzieł: Tak — „Sky Without Echo” należy do unikatowej, autorskiej kolekcji, tworzonej w ograniczonej liczbie egzemplarzy.

Słowo od Artystki:
„’Sky Without Echo’ to obraz, który powstał z potrzeby uchwycenia momentu ciszy, który każdy z nas przeżywa w chwili zmiany. To przestrzeń w zawieszeniu, która pozwala na refleksję i wewnętrzną przemianę. Każdy pociągnięcie pędzla miało na celu oddanie tej ulotnej, przejściowej chwili, kiedy wszystko wokół nas milczy, a my znajdujemy się tuż przed nowym początkiem.” 

-Agnieszka Solska-

Dlaczego warto?
„Sky Without Echo” to obraz, który zachwyca swoją subtelnością i głębią. Jego spokojna, chłodna kolorystyka, połączona z emocjonalną fakturą, sprawia, że staje się on nie tylko elementem dekoracyjnym, ale także przestrzenią do refleksji. Idealny wybór dla osób, które szukają w sztuce ciszy, harmonii oraz głębokiego wyrazu emocji. Obraz ten posiada certyfikat autentyczności i jest sygnowany przez artystkę, co czyni go jeszcze bardziej wyjątkowym.

Obraz o tytule "„Niebo bez echa”" to praca z 2022 roku o wymiarach 35x35 cm. Jej autorem jest Agnieszka Solska.

Dzieło zostało wykonane w technice olej. Jest to rodzaj farb malarskich, których składnikami są olej lniany oraz pigment. Technika własnoręcznego przygotowania farb oraz malowania nimi wymaga wiedzy, cierpliwości (obrazy olejne dość długo schną) oraz ćwiczeń; efekt, jaki dzięki nim uzyskany, jest wart tego wysiłku ze względu na dobrą trwałość obrazu oraz świetlistość kolorów. Farby olejne mają długą historię, która w przypadku Europy sięga XV wieku. Pierwszymi artystami, którzy zaczęli posługiwać się olejami na desce byli artyści flamandzcy i holenderscy, tacy jak Jan van Eyck oraz Rogier van der Weyden, którzy posługiwali się techniką laserunkową (nakładali półprzezroczyste, cienkie warstwy olejne na monochromatyczną podmalówkę, wzmacniając niektóre tony). W XVII wieku modna była technika alla prima, malowania „od razu”, często mieszając farby olejne na płótnie, nakładane impastowo. Zwolennikami takiego wariantu byli Peter Paul Rubens czy Diego Velazquez.

Podłożem tej pracy jest karton. Jest to wyrób papierniczy o określonej gramaturze, od 160 g/m² do 315 g/m² (w przypadku wyrobów poligraficznych, dane te obejmują zakres od 200 g/m² do 500 g/m²), szeroko wykorzystywany do druku, okładek książkowych, książek dziecięcych, pocztówek, pudełek, teczek biurowych i innych opakowań. Kartony wykorzystuje się jako podłoże malarskie oraz materiał do tworzenia rzeźb.

Dzieło posiada charakterystyczne cechy utworu dla styli abstrakcja, ekspresjonizm. Najbardziej znanymi twórcami kompozycji abstrakcyjnych byli Piet Mondrian, Jackson Pollock, Paul Klee, Kazimierz Malewicz, Lucio Fontana. Przerysowane kompozycje, zniekształcenie przedstawianego świata, zaburzenia proporcji oraz perspektywy dzieła, wykorzystanie twardych linii i kolorów nietypowych dla rzeczywistości to charakterystyczne cechy Ekspresjonizmu.

Przewodnie tematy pracy to: abstrakcja, morze, pejzaż. Jest to temat obejmujący swym zasięgiem zarówno egzotyczne plaże Ameryki Południowej, jak i sentymentalne widoki zimnego wybrzeża Skandynawii. Pejzaż, który w przeszłości był jednym z głównych wątków podejmowanych w Akademiach Malarstwa i Rzeźby. Początkowo funkcjonował w mitologicznym, alegorycznym kontekście. Jego potencjał odkryli niemieccy romantycy, którzy za pośrednictwem natury odzwierciedlali marzenia i niepokoje człowieka.

Autor obrazu wykorzystał przy tworzeniu pracy kolory beż, niebieski, fioletowy, różowy, szary, wielokolorowy, czarny, inne. Głównym zadaniem beżu jest ocieplenie pracy oraz wprowadzenie aury naturalizmu i elegancji. Kolor niebieski uspokaja i odpręża, dlatego zastanówmy się nad umieszczeniem błękitnego dzieła sztuki w naszej sypialni. Fioletowy, który jest bez wątpienia bardziej dojrzałym wydaniem różu, dobrze wyglądającym w połączeniu z białym, szarym, beżowym oraz kremowym wnętrzem. Szary, który jest elegancki i zachowawczy. Pasuje do każdego typu przestrzeni: industrialnej, retro, minimalistycznej czy kolonialnej. Mieszana kolorystyka prac charakteryzowała kolorystów, fowistów, impresjonistów oraz ekspresjonistów. Dzisiaj często spotykamy takie rozwiązanie w dziełach z nurtu street art oraz instalacjach artystycznych podejmujących problem optyki i percepcji. Czerń może tworzyć zaskakujące połączenie z czarnym, minimalistycznym wnętrzem bądź działać na zasadzie konstrastu, kiedy wprowadzimy ją do jasnej przestrzeni.

Autor dzieła utrzymał je w nastrojach które opisać możemy jako melancholia, żywiołowość. Melancholia, która była szczególnie popularna w malarstwie końca XIX wieku, kiedy nasiliły się tendencje dekadenckie oraz katastroficzne. Żywiołowość, którą osiąga się poprzez wibrującą kolorystykę oraz emocjonalne tematy malarskie i rzeźbiarskie.