Akt 8 - szkic na czarnym papierze, 2020

Obraz o tytule "Akt 8 - szkic na czarnym papierze" to praca z 2020 roku o wymiarach 32. 5x45 cm. Jej autorem jest Joanna Sarapata.

Dzieło zostało wykonane w technice flamaster. Jest to długopis posiadający rdzeń nasączony tuszem, występujący w postaci akwarelowej, rysunkowej i projektowej. W porównaniu do pióra, klasycznego długopisu i ołówka, flamaster pozwala na uzyskanie dość grubej kreski. Flamastry akwarelowe różnią się od pozostałych tym, że posiadają rdzeń z tuszem nasączonym wodą, nie zaś alkoholem; wymagają więc odpowiedniego, chłonnego papieru i często występują razem z farbami akwarelowymi oraz tuszem. Flamastry rysunkowe, jak sama ich nazwa wskazuje, należy stosować do tworzenia rysunków, szkiców oraz komiksów. Ostatni wariant, flamastry projektowe, są przystosowane do sporządzania prac technicznych, projektów architektonicznych oraz modowych. Prace wykonane flamastrami znajdziemy w twórczości Pawła Szarloty, Tadeusza Dominika Magdaleny Abakanowicz, Pawła Jarodzkiego i Marka Raczkowskiego.

Autor pracy wykorzystał jako podłoże papier. Jest to rodzaj podobrazia, który, w zależności od faktury i grubości, przystosowany jest do konkretnych technik artystycznych. Papier o gramaturze 200 g/2 jest odpowiednim materiałem do wykonywania na nim kompozycji przy pomocy farb akwarelowych, gwaszu, sangwiny czy tuszu, z kolei ten o gramaturze 90 g/m2 o ziarnistej powierzchni, odpowiedni będzie do rysunku ołówkiem, kredkami, pastelami, sepią i węglem. Jeżeli artyście zależy na papierze odpornym na światło słoneczne i działanie czasu, powinien zastosować papier bezkwasowy. Historia papieru sięga antyku; znany był on w całym basenie Morza Śródziemnego oraz na Dalekim Wschodzie. W warsztatach artystycznych wykorzystywano go do tworzenia szkiców i rysunków koncepcyjnych, zaś od XVI wieku stanowił ważny materiał do druku i grafiki. Dziś prace na papierze są autonomicznym dziełem sztuki, które pod względem wartości sprzedażowej mogą pokonać swoich rywali na płótnie.

Dzieło posiada charakterystyczne cechy utworu dla styli figuratywne, ekspresjonizm. Figuratywizm był dominującym typem kompozycji od starożytności aż do wieku dziewiętnastego, kiedy zaczęły pojawiać się nowe artystyczne tendencje zmierzające do coraz większej subiektywizacji wizji artystycznej na płótnie i w rzeźbie. Przerysowane kompozycje, zniekształcenie przedstawianego świata, zaburzenia proporcji oraz perspektywy dzieła, wykorzystanie twardych linii i kolorów nietypowych dla rzeczywistości to charakterystyczne cechy Ekspresjonizmu.

Tematem tej pracy są akt, człowiek. Akt, który charakteryzuje się przedstawieniem nagości w różnym estetycznym ujęciu. Jest to jeden z najpopularniejszych motywów sztuki dawnej, zwłaszcza renesansu oraz akademizmu, funkcjonujący wtedy w kontekście mitologicznym. Aż do dziś, pierwszoplanową rolę w aktach odgrywa kobiece ciało. Człowiek, który jest bez wątpienia najpopularniejszym motywem w sztuce od prehistorii aż do dziś. Postać ludzka występowała w niezliczonych kontekstach artystycznych: jako święty, w kostiumie mitologicznym, w scenach rodzajowych, salonowych, alegorycznych oraz wielu innych. Człowiek zajął również ważne miejsce w sztuce abstrakcyjnej, jednak obiektem zainteresowania stało się jego wnętrze – świadomość oraz percepcja.

Wśród gamy kolorystycznej dominuje kolor czarny. Czarne dzieło sztuki z pewnością będzie stanowić instrygujący fragment wystoju wnętrz w naszym domu lub biurze.

Nastroj pracy charakteryzują żywiołowość, pasja. Prace o dynamicznych kompozycjach, poruszające wątki związane ze skrajnymi stanami emocjonalnymi tworzą atmosferę żywiołowości. Z nastrojem tym kojarzą się ciepłe kolory, takie jak czerwienie i pomarańcze oraz tematy związane z uczuciami i zmysłowością.