Rzeźba Geometryczna #1, 2021

Praca wykonana podczas pobytu na rezydencji Guldagergaard w Danii w 2021 roku. Oznaczona logiem KRYSHTOFIK.

Materiał: Porcelana, kolorowe pigmenty, farby naszkliwne, transparentne 
szkliwo. Temperatura wypału: 1240 °C
Każdy element odlany osobno. Dekorowany autorską mieszanką pigmentów oraz farb.

Moje Rzeźby Geometryczne to zamrożone wspomnienia, radosne, ale pełne nostalgii za minionymi czasami. Pracuję z kolorami, podstawowymi kształtami i kompozycją, poprzez moje osobiste zrozumienie zabawy wspomnieniami. Rzeźby są symbolami dzieciństwa, zabawy i radości. Przedmioty, które tworzę przypominają zabawki i karuzele, jak budowanie nowych światów z drewnianych kostek dla dzieci. Przedmioty te stają się dla mnie coraz ważniejsze, pomagając jednocześnie przejść przez doświadczenie imigracyjne.
Użycie porcelany jako materiału jest zamierzone. Znaczenie tego materiału wynika głównie z mojego odczucia wobec przedmiotów ukrytych w kredensie mojej babci. Umieszczenie ich w szafce zwykle ukrywa je przed dziećmi i cudzymi oczami, aby zabezpieczyć każde wspomnienie. Przedmioty porcelanowe nadal uważane są za luksus. Jako dziecko bardzo chciałam zobaczyć każdy egzemplarz i pamiętać każdą chwilę, którą wszyscy spędziliśmy z porcelaną podczas uroczystości. Zamrożenie tych obiektów daje mi teraz szansę na zabawę z procesem odlewania, ale także pozostawia je nietknięte jako powidok tego, co żyje w mojej pamięci.

Skupiam się na pracy nad kolorami, podstawowymi kształtami i głównym wątkiem fabularnym poprzez osobiste zrozumienie wspomnień. Inspiracje czerpię z drewnianych zabawek produkowanych w XX wieku. Używam prymitywnych, prostych kształtów, budując coraz bardziej złożone struktury.

"Rzeźba Geometryczna #1" - rzeźba jest dziełem z 2021 roku I charakteryzuje się wymiarem 20x15 cm. Autorem jest Aliona Kryshtofik.

Praca wykonana została w technice porcelana.

Artysta wykonał rzeźbę w stylach: abstrakcja, inne, minimalizm, pop-art. Abstrakcja to styl odrzucający zasadę mimesis, a więc naśladownictwa natury. Intencją abstrakcjonistów nie jest odzwierciedlenie rzeczywistości w jej rzeczywistych kształtach, ale przekazywanie abstrakcyjnych pojęć i idei przy pomocy linii i oraz kolorów dzieła malarskiego. Artyści sztuki minimalnej posługiwali się ascetycznymi bryłami, kojarzącymi się z architekturą, podstawowymi kształtami oraz liniami prostymi. Pop-art to kierunek w sztuce powstały w latach 50-tych XX wieku, nawiązujący dialog z kulturą popularną, konsumpcyjnym stylem życia powojennych mas oraz cywilizacją wielkomiejską.

Tematem tej pracy są abstrakcja, geometria, inne. Największe znaczenie geometria zyskała na początku XX wieku w neoplastycznych eksperymentach Pieta Mondriana, później zaś wyznaczyła rezerwuar form, którymi posługiwali się kubiści.

Autor rzeźby wykorzystał przy tworzeniu pracy kolory pomarańczowy, żółty, zielony, niebieski, różowy, wielokolorowy, inne. Pomarańczowy, który jest ogromnie ceniony przez artystów z powodu przyciągania wzroku widza oraz swojego dwoistego charakteru: z jednej strony występuje w przyrodzie, z drugiej posiada dekoracyjną, syntetyczną energię. Dzięki żółtej barwie praca subtelnie rozjaśni Wasze wnętrza bez drastycznej zmiany w kolorystyce całej przestrzeni. W zestawieniu z ziemistymi odcieniami, kolor zielony wywoła efekt rajskiego ogrodu nawet w zamkniętym pomieszczeniu. Kolor niebieski uspokaja i odpręża, dlatego zastanówmy się nad umieszczeniem błękitnego dzieła sztuki w naszej sypialni. Mieszana kolorystyka prac charakteryzowała kolorystów, fowistów, impresjonistów oraz ekspresjonistów. Dzisiaj często spotykamy takie rozwiązanie w dziełach z nurtu street art oraz instalacjach artystycznych podejmujących problem optyki i percepcji.

Nastroj pracy charakteryzują radość, spokój, inne. Wbrew temu, co można sądzić, wywołanie radości u odbiorcy jest jednym z najtrudniejszych wyzwań artystycznych. Spokój, łączący się z atmosferą medytacji, kontemplacji dzieła sztuki i jest osiągany poprzez minimalistyczne kompozycje bądź też stonowaną kolorystykę.