SPLOT CIAŁ VS ROZBICIE, 2020
Akwaforta, Akwatinta, Płyta, Papier
110 cm x 80 cm
- Darmowa dostawa na terenie Polski
- 14 dni na zwrot pracy
- Certyfikat autentyczności
- Odbiór w centrum Warszawy
- Wygodne formy płatności
"SPLOT CIAŁ VS ROZBICIE" - grafika jest dziełem z 2020 roku I charakteryzuje się wymiarem 80x110 cm. Autorem jest Nastazja Staniszewska.
W celu stworzenia dzieła wykorzystał techniki: akwaforta, akwatinta. Jest to technika, która pojawiła się w XVI wieku w Europie. Zaliczana jest do druku wklęsłego, polegająca na wypolerowaniu płyty miedzianej lub cynkowej, pokryciu jej werniksem z żywicy, a następnie stworzeniu kompozycji przy pomocy igły i wytrawieniu matrycy w kwasie azotowym. Akwaforta oznacza „mocną wodę”, którą jest właśnie wspomniany kwas. Kolejne etapy przebiegają analogicznie do innych technik graficznych: płyta pokrywana jest tuszem drukarskim, a następnie odbijana na papierze przy udziale prasy ręcznej. Autorami posługującymi się tą techniką byli Rembrandt, Picasso czy Goya. Jest to technika graficzna wklęsła, pokrewna akwaforcie. Jej początki sięgają XVII weku, ale rozpowszechniła się w kolejnym stuleciu dzięki eksperymentom Jean-Baptiste Le Prince’a. W owym czasie służyła głównie do powielania obrazów i rysunków na całym świecie, dziś za jej pomocą tworzy się artystyczne, samodzielne kompozycje. Akwatinta powstaje poprzez wielokrotne trawienie kwasem azotowym wybranych płaszczyzn na metalowej płycie; odpowiedni walor uzyskuje się poprzez zróżnicowaną głębokość miejsc wytrawianych. Efekt zbliżony jest do obrazu namalowanego przy pomocy pędzla, dlatego często akwatintę uzupełnia się o akwafortę, która wyznacza linie kompozycji. Najbardziej znanym przykładem wykorzystania tej techniki w twórczości artystycznej jest cykl „Okropności wojny” autorstwa Francisco Goi, który połączył z akwafortą, miedziorytem oraz suchą igłą.
Pracę możemy zakwalifikować do styli: ekspresjonizm, figuratywne. Najsłynniejszymi polskimi ekspresjonistami byli artyści należący do grupy BUNT, działającej przed II wojną światową. Sztuka figuratywna to typ prac artystycznych, w których możemy wyróżnić sylwetki ludzkie, zwierzęce czy przyrodnicze w ich proporcjach naturalnych lub bliskich rzeczywistym.
Przewodnie tematy pracy to: akt, człowiek. Akt, który charakteryzuje się przedstawieniem nagości w różnym estetycznym ujęciu. Jest to jeden z najpopularniejszych motywów sztuki dawnej, zwłaszcza renesansu oraz akademizmu, funkcjonujący wtedy w kontekście mitologicznym. Aż do dziś, pierwszoplanową rolę w aktach odgrywa kobiece ciało. Człowiek pojawił się już w sztuce prehistorycznej i jest jednym z głownych tematów w sztuce do czasów współczesnych.
Wśród gamy kolorystycznej dominują kolory: biały, czarny. Kolor biały jest wskazany zwłaszcza dla tych miłośników sztuki, którzy cenią sobie minimalizm. Czerń może tworzyć zaskakujące połączenie z czarnym, minimalistycznym wnętrzem bądź działać na zasadzie konstrastu, kiedy wprowadzimy ją do jasnej przestrzeni.
Autor dzieła utrzymał je w nastrojach które opisać możemy jako niepokój, pasja, żywiołowość. Niepokój można osiągnąć poprzez kompozycje o złowieszczym charakterze w zestawieniu z czerwienią, czernią i szarością. Dzieła sztuki pełne pasji przedstawiają chwile zmysłowych przyjemności oraz wybuchu uczuć w ujęciu dynamicznym. Stan ten wzmacniany jest przez wizualne bodźce, które oddziaływują na nasz wzrok żywymi, energetycznymi kolorami.